Museer vil ha 2 show u memez nå. De skal være forsiktige.

A. Eva og Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva og Franco Mattes/Postmasters Gallery and Team Gallery)

SAN FRANCISCO — På slutten av utstillingen Snap+Share vil besøkende til San Francisco Museum of Modern Art se en liten katt stirre ned på dem fra et grovt skåret rektangulært hull i taket. Dette er Ceiling Cat, et verk fra 2016 av Eva og Franco Mattes, som har brukt en taksidermipus for å gjenskape en av Internetts mest populære og vedvarende memer: et bilde av katten ledsaget av variasjoner av uttrykket Ceiling Cat ser på deg . . .

Det originale Ceiling Cat-memet dukket opp for mer enn et tiår siden, med merkelappen Ceiling Cat ser på deg onanere. Men det har forandret seg og utviklet seg med den vanlige hastigheten til nettkulturen. Blant de mange gjentakelsene er Ceiling Cat as God the Creator, som taler i lolcat meme-oversettelsen av Bibelen: At start, no has lyte. En takkatt sier, jeg kan haz lite? En lite wuz.

I likhet med flere andre verk i forestillingen, gjør Mattes-skulpturen fysisk til noe som først og fremst eksisterer i det vektløse, stofffrie miljøet på Internett. Den fanger både lekenheten til kulturen som har utviklet seg rundt knipsing og deling av bilder, spesielt memer, selv om den antyder den mørkere siden av overvåking og kontroll som ligger latent i våre sosiale nettverk. Det er også det viktigste markedsføringsbildet for utstillingen, og kanskje en av få feiltrinn i kurasjonen av denne ellers tankevekkende og opplysende utstillingen.

handle desember 2015 college konfidensiell

I tilfelle du skulle savne Ceiling Cat (som er liten og over øyehøyde), har museet en liten lapp på veggen: Se kunstverket midt i taket i dette galleriet. Fotografier er ikke bare tillatt, men oppmuntres. Med det bryter litt kritisk avstand sammen, og tingen som ellers ble undersøkt lidenskapelig – hvordan vanene våre med å overføre bilder har utviklet seg i løpet av det siste og et halvt århundre – føles plutselig mer som et spill vi er pålagt å spille. Invitasjonen til å delta, til å ta et bilde av Ceiling Cat, føles ikke riktig, spesielt gitt den grunnleggende spenningen som utvikler seg i dette showet - mellom deltakelse og konformitet.

Men selvfølgelig ville ingen museum på planeten i dag gjennomføre et show om memer og øyeblikksbilder og sosiale medier uten å forvente at alle skal Instagram det, hashtagge det på Twitter og oversvømme Facebook med selfies. Motstand er nytteløst.

Andy Warhol sa at han ønsket å være en maskin. Det var han ikke.

Utformet av Clément Chéroux, museets seniorkurator for fotografi, kobler utstillingen vårt nåværende øyeblikk med en lengre, mer komplisert historie med å formidle bilder. Det begynner på 1800-tallet, med fremveksten av postkortet, som på begynnelsen av 1900-tallet i Frankrike overveldet landets postsystem med rundt 173 000 kort som ble sendt hver dag. På 1930-tallet reiste fotografier også regelmessig gjennom ledninger, og ledningstjenester brakte verdensnyhetene, inkludert kriger, katastrofer og annen elendighet, inn i våre stuer, og kollapset avstand og tid slik at verden virket nesten umiddelbart tilgjengelig og smertefullt intim .

På midten av 1900-tallet gjorde fargepostkort og populær fotografering verdens turismeikoner like kjente som fastfood-restauranter, som sirkulerte gjennom utallige millioner av fargerike bilder. Og inkludert i utstillingen er Motorola flip-telefonen, Toshiba bærbar PC og Casio digitalkamera som den franske oppfinneren Philippe Kahn brukte for å sende det som sannsynligvis er det første mobiltelefonkamerabildet til et stort nettverk av mennesker. Det kornete digitale fotografiet fra 1997 av datteren hans, født bare noen få minutter tidligere, ble mottatt av et publikum på rundt 2000 mennesker.

Hva endret seg egentlig med denne revolusjonen innen bildeskaping, som gjorde bilder umiddelbart tilgjengelige for tusenvis, eller nå milliarder, av mennesker? På mange måter, ingenting. Folk har sendt bilder via posten nesten siden fotografiet ble oppfunnet, og vi har distribuert bilder av oss selv lenge før ordet selfie ble funnet. Peter J. Cohen, en samler som har fokusert på øyeblikksbilder og folkelige fotografier, har satt sammen et bredt og variert utvalg bilder der folk har skrevet ordet meg ved siden av et fotografi, antagelig av seg selv. Disse spenner over tiår med svart-hvitt-fotografering og antyder en vedvarende og ikke overraskende konsistens i vårt forhold til fotografier: Vi bruker dem til å hevde vår eksistens, for å markere vår plass i verden. Det har ikke endret seg selv ettersom måtene å lage og distribuere bilder på har utviklet seg.

Artister oppdaget heller ikke ideer om sosiale nettverk og sirkulerende bilder med oppfinnelsen av Facebook og andre sosiale rom på nettet. Mail art-bevegelsen, der kunstnere bruker posten til å skape sirkulasjonsmønstre uavhengig av tradisjonelle museer eller gallerier, og inviterer til samarbeid med bildeskaping, er lenge før vår snap-and-share-verden fra det 21. århundre. Noen av de mest visuelt stemningsfulle verkene i showet er av den tyske kunstneren Thomas Bachler, som skapte små pinhole-kameraer i pappesker og sendte dem gjennom det tyske postsystemet, hvor de passivt tok opp spektrale og tilfeldige fotografier. De er uhyggelig vakre og ser litt ut som medisinske bilder, uskarpe og grå med rare rør og linjer og tråder av tilsynelatende organisk materiale som går gjennom dem.

når vil irs refundere arbeidsledighet

Men på andre måter er endringen enorm, og så gjennomgripende at det nesten er umulig å gjøre oversikt over den. Erik Kessels sitt velkjente installasjonsverk 24HRS in Photos er laget av gigantiske hauger med trykte fotografier hentet fra 24 timers opplasting på sosiale medier. Den har blitt gjenopprettet for denne utstillingen, og har skapt et rom fullt av bilder lagt på gulvet og klatret opp på veggene. Det virker til å begynne med illevarslende, en advarsel om den store flommen av bilder som er muliggjort av mobiltelefonkameraer og digital fotografering. Men det er også merkelig sjarmerende, med fotografiene som nekter å være søppel, og trekker blikket til vakre mennesker, solfylte strender, barn som leker og resten av livet som vi aldri slutter å dokumentere og eksponere.

Tintoretto, briljant, nyskapende og sublimt merkelig

Det er ikke bare volumet av bilder som har endret seg. Folk, spesielt unge mennesker, snakker eller samtaler nå i bilder, og sender bilder i stedet for ord, for å uttrykke tanker og følelser. Og det er økende bevissthet om hvordan vår avhengighet av smarttelefoner blir patologisk, en avhengighet som sprer oppmerksomhet og ødelegger forholdet vårt til virkelige ting og virkelige mennesker. Artisten Kate Hollenbach antyder de psykologiske endringene dette innebærer i et videoverk kalt phonelovesyoutoo, der hun rigget telefonen til å ta opp video av henne når hun engasjerte seg med den, sjekke e-post eller surfe på nettet eller bruke GPS-funksjonen. Resultatet er en matrise av små videoer av det samme ansiktet, i lyse og mørke rom, morgen, middag og natt, i sengen, på gaten, gående gjennom bygninger, en selvpålagt form for omvendt overvåking. Den emosjonelle valensen til dette rutenettet av bilder i romstørrelse er nervøsitet, irritasjon, rastløs, urettet energi og dissonans.

Så er det Ceiling Cat, som kommer rett etter Hollenbachs stemningsfulle video. Det er en god samtalestarter for museumsverdenen, en måte å tenke på farene og mulighetene i utstillinger som denne. Kunstmuseer er akkurat den typen institusjoner som kan håndtere et bredt, komplisert emne som Snap+Share, som ikke bare involverer endringer i visuell kultur, men også sosiale, teknologiske og psykologiske endringer.

Men det er alltid en fare for å bli for viklet inn i emnet. Kulturinstitusjoner lengter etter den typen energi som ser ut til å strømme gjennom kretsløp på Internett. De lengter etter publikum som har vokst opp med disse systemene for bildeskaping og distribusjon, og de lengter etter pengene til folk hvis formuer ble tjent i det digitale gullrushet. Det er også en tendens, ikke uvanlig blant museumsfagfolk, til å se på verden utforsket i show som Snap+Share som fremtiden, og fordi alle ønsker å tilhøre fremtiden, er det en slags stilltiende støtte til teknologien, som bringer med det en implisitt tilslutning til industrien bak.

Det er en liten ting, men denne utstillingen ville vært sterkere hvis den ikke hadde invitert publikum til å delta. Ceiling Cat, som et kunstverk, er en invitasjon til å tenke. Men ved å invitere besøkende til å dematerialisere Ceiling Cat-skulpturen tilbake til et internett-meme, ser det ut til at kuratoren sier: Dette var alt i god moro. Den kritiske løsrivelsen til showet er erstattet med kurring og fnising og feel-good-vibber. Utstillingen balanserer på en smart måte historisk observasjon av et gammelt fenomen – vårt behov for å gjøre vår tilstedeværelse i verden kjent for andre – med klare observasjoner om hvordan teknologien endrer vårt indre liv og våre sosiale relasjoner. Men med Ceiling Cat, og andre invitasjoner til å ta bilder og sende dem ut til verden, bukker showet på slutten for den magiske tenkningen som vi holder bekymringene våre for sosial mediekultur i sjakk med: Det er ufarlig hvis vi bare behandler det en litt ironisk nok.

Et virkelig radikalt show ville ikke slippe oss av kroken så lett. Det ville ha krevd at folk etterlot impulsen til å snappe og dele lenge nok til å utforske hva snap and share gjør med oss.

Snap+Del Til og med 4. august på San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

Uskylden til Robert Mapplethorpe

«Ivanka Vacuuming» kommer under huden til den første datteren

keto vekttap hai tank

Da kunstnere fant mening i myter og monstre