Kunstneren Hyman Blooms verk er æret. Og likene er kadavere.

Hyman Blooms 'Female Leg', 1951; olje på lerret. (Museum of Fine Arts, Boston/Timothy Phillips/Fra Stella Bloom Trust)

Maleriene av råtnende lik og spredte kadaver laget av Hyman Bloom mellom 1943 og 1954 utgjør en av de mest ekstraordinære og mest urovekkende vakre verkene i amerikansk kunst.

Blooms malerier både forferdelige og forbausende. De tennes av varme, strømmende farger som fjærer overflatene deres som flammer, fortærer og forvandler de stakkars kroppene de skildrer til noe iriserende og eterisk. Maleriene, sammen med et utvalg blendende tegninger i stor skala, er gjenstand for en flott, etterlengtet forestilling, Hyman Bloom: Matters of Life and Death på Bostons Museum of Fine Arts. Sammenfallende med en fantastisk nyhet monografi på Bloom og en reklamefilm show i New York , føles utstillingen som en stor begivenhet.

Bloom (1913-2009) er en stort sett glemt figur. Men hans glans ble anerkjent i midten av århundret. Jackson Pollock, Willem de Kooning og Franz Kline æret ham alle. Elaine de Kooning skrev briljant om hans tidlige arbeid. Den store renessanseforskeren Sydney Freedberg kalte ham en virtuos med maling. Og i et brev til medpoeten Elizabeth Bishop skrev Robert Lowell: Hyman er utrolig konsekvent, briljant, asketisk - flere og flere sier at han er den beste maleren i Amerika, og det er han også.

Denne D.C.-utstillingen bør sees av alle som er bekymret for migrantkrisen

Bloom ble født i en fattig landsby med ortodokse jøder i Latvia, og tilbrakte sine første år i en ettroms tømmerhytte med jordgulv. Han var 7 år da familien hans ankom Ellis Island i 1920. De bosatte seg med Hymans to eldre brødre, som hadde emigrert før første verdenskrig, i en leiegård i Bostons West End, åtte personer samlet seg i tre rom.

På skolen ble Blooms talent lagt merke til av kunstlæreren hans i åttende klasse, som oppmuntret ham til å melde seg på tegnekurs på et samfunnshus. Kunstneren Jack Levine, som ble Blooms nære venn, var en medstudent.

Læreren deres, Harold Zimmerman, dyrket talentene deres med en eksperimentell tilnærming. Han fikk dem til å gå veldig sakte frem, og arbeide opp tegningene sine fra hukommelsen i stedet for direkte observasjon, med små merker og justeringer, og forble alltid akutt følsomme for komposisjonen som helhet.

Som tenåring tegnet Bloom boksere og brytere (hans to eldre brødre var kroppsbyggere) og - i en forbløffende tegning inkludert i showet - en titanisk muskuløs mann som brøt seg løs fra tykke tau på et torturhjul. På tross av alle hans beste verks dristige maleriske friheter, forble tegning - og menneskefiguren - grunnleggende til slutten.

Gjennom Zimmerman møtte Bloom Denman Waldo Ross, professor ved Harvard University. Ross subsidierte guttenes videre kunstutdanning. Han instruerte dem i å male en kveld i uken mens Zimmerman fortsatte tegnetimene. Zimmerman tok også Bloom og Levine med til New York, hvor Bloom ble utsatt for Chaim Soutine og Georges Rouault, stjernene i hans senere arbeid.

På slutten av 20-tallet tok Blooms karriere fart. Han malte synagoger, juletrær og bruder i et formspråk som trakk på Soutine, Rouault, Marc Chagall og Jean Dubuffet, men som fortsatt virket helt originalt. Han begynte å vinne støtte fra folk som Dorothy Miller og Alfred Barr, kuratorer ved Museum of Modern Art, og inspirerte snart andre kunstnere, inkludert de Koonings og Pollock.

I 1941 hadde Bloom en opplevelse som i stor grad endret både hans indre liv og banen til kunsten hans. Hans nære venn Betty Tovey begikk selvmord, og familien hennes ba ham identifisere kroppen hennes på likhuset.

Bloom hadde kjent Tovey i mer enn et tiår. De hadde delt hus og studio i Boston. Hun var godt reist, kosmopolitisk, en dyktig fiolinist og 10 år eldre enn han. De to ser ikke ut til å ha vært kjærester, men Tovey var Blooms fortrolige i en periode som så ham kjempe med angst og åndelig forvirring. Da han gikk bort fra å praktisere jødedommen, delte hun interessen for metafysisk litteratur. Bloom begynte å utforske teosofien, Vedanta (en av hovedgrenene til hinduistisk filosofi) og andre former for spiritisme. Han forble en søker hele livet.

Hans erfaring med å se Toveys kropp i likhuset førte til at han så døden fra et nytt og vakrere perspektiv. Jeg hadde en overbevisning om udødelighet, skrev han, om å være en del av noe permanent og i stadig endring, om metamorfose som værens natur.

En tittende observatør av Blooms kunst i løpet av de neste to tiårene kan anta at han var besatt av sykelighet og død. Og det var han på en måte. Men det som virkelig opptok ham var den dype sammenvevingen, den ultimate udeleligheten av liv og død.

Blooms syn på kroppen nesten som å fange , en forkledning for å bli herjet og rive, jo bedre å se gjennom den, hadde mange forhistorier i europeisk kunst. Kunstnere fra den nordlige renessansen, for eksempel (særlig Matthias Grünewald), hadde malt Kristi desperat ødelagte kropp med det spesifikke målet å overskride kroppslighet. Blooms elektriserende arbeid kan sees på som en del av denne tradisjonen.

To år etter å ha identifisert Toveys kropp i likhuset, traff Bloom en venn, kunstneren David Aronson, som var på vei til Bostons Kenmore Hospital for å se døde kropper. Han inviterte Bloom med.

De fleste beretninger om vestlig kunst siden renessansen inkluderer historiene til de tabubrytende kunstnerne som, nysgjerrige på den indre strukturen til menneskekroppen, vendte oppmerksomheten mot kadaver, og ofte oppfordret til kontrovers. Leonardo da Vinci og Michelangelo studerte og dissekerte dem. Rembrandt og hans nederlandske landsmenn fremmet tradisjonen på 1600-tallet.

Så bildet av to ambisiøse unge jødiske malere i Boston som går sammen til et sykehus for å se på kadaver er i seg selv ikke bemerkelsesverdig. Og likevel bare fordi året var 1943, og et stort antall av disse to kunstnernes medjøder ble feid opp over hele Europa og sendt til konsentrasjonsleirer hvor de systematisk ble myrdet, er det vanskelig å ikke bli hjemsøkt av det.

Bloom ment ikke sine påfølgende malerier - de som dominerer dette showet - som en kommentar til Holocaust. Likevel må avsløringer om katastrofen i Europa sikkert ha matet inn i hans egen fantasi. Og uunngåelig utgjør vår kunnskap om disse hendelsene en del av prismet som vi ser dem.

Tiåret etter krigen så Bloom produsere sitt sterkeste verk - ikke bare bilder av lik og obduksjoner, men også fascinerende, nesten abstrakte bilder av utgravde horder av skatter. Disse glitrende verkene, bygget opp med nydelige passasjer av teksturert maling, skildrer motivene deres som om de er lagt ut horisontalt (som en kropp på en plate) og sett ovenfra.

fotballplan for videregående skole 2019

Bloom ble delvis inspirert av bilder av nyere arkeologiske funn. Han ga maleriene titler som Archaeological Treasure og Treasure Map, og inviterte oss til å se analogier mellom utgravde skatter (og det opaliserende glasset han spesielt elsket) og den glitrende lysstyrken i kroppens indre.

Ti år etter at Bloom representerte USA på Venezia-biennalen (sammen med Pollock og de Kooning), ble han sammenkoblet med den britiske artisten Francis Bacon i et show ved University of California i Los Angeles.

Jeg vil gjerne se den gjenopptatt. Begge kunstnerne var opptatt av den uhyggelige siden av menneskekroppen - kroppen som kjøtt. Men Bacon, en grundig eksistensialist, hadde ikke et åndelig bein i kroppen. Livet, for ham, var en form for teater, et spill dømt til meningsløshet. Bloom, derimot, trodde det var noe mer. Han var en visjonær kunstner, forelsket i tanker som ble mindre og mindre moteriktig å elske. Han brydde seg ikke om kunstverdenens suksess.

Da museumskuratorer besøkte atelieret hans, snudde han som kjent lerretene sine mot veggen. Jeg har lenge lurt på: Prøvde Bloom å skjule verkene sine for øyne han anså som ute av stand til å forstå? Eller skjønte han at de siste tingene hans ikke var helt opp til hans tidligere arbeid?

Kanskje han bare var beskjeden. Til slutt, som så mange ekte søkere, gikk Bloom sine egne veier. Han så det han så. Det ble mindre og mindre viktig for ham at vi andre ser det også. Han produserte gode ting i løpet av de følgende tiårene. Men verkene han malte i tiåret etter andre verdenskrig er fortsatt en stor og uutslettelig prestasjon.

Hyman Bloom: Matters of Life and Death Til og med 23. februar på Museum of Fine Arts, Boston. mfa.org .

Det mest rørende bildet fra Apollo-oppdraget var ikke av månen. Det var av jorden.

Hilma af Klint, kvinnen som malte fremtiden

Er naturdokumentarer vår tids største kunst?