De er kvinner, de er svarte og de lager ikke kunst om det

En ny utstilling på Nasjonalmuseet for kvinner i kunsten konfronterer to falske antakelser som er innebygd i kunstverdenen. For det første at kvinner skal lage feminin kunst, og for det andre at afroamerikanske kunstnere skal lage figurativ og aktivistisk kunst, verk som konfronterer spørsmål om rase, ulikhet, urettferdighet og den lange historien med vold mot svarte mennesker.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960-tallet til i dag fokuserer på svarte kvinnelige kunstnere som jobber utenfor eller utenfor disse diktene. Verket inkluderer flammende abstraksjoner laget med koagulerte hav av maling og delikate trykk med nyanser av rosa og raffinert tracery. Noen malerier sprekker av veggene og dominerer rommet; andre intim stillhet og trekker betrakteren stadig nærmere deres gåtefulle tilbakeholdenhet. Men alle trosser estetiske forventninger forankret i de vilkårlige kategoriene rase og kjønn.

Som et introduksjonsessay til showets katalog forklarer, jobber disse artistene på en periferi av en periferi av en periferi. Hvor er disse flere periferiene? I ingen spesiell rekkefølge, vurder første kjønn og abstraksjon. Gjennom midten av forrige århundre var feltet dominert av menn som gjenbrukte 1800-tallets ideer om den heroiske kunstneren og de demoniske kreftene til følelsesuttrykk. Kvinner som jobbet i ikke-objektive stiler ble oversett, marginalisert eller feiltolket. Når de klarte å lykkes på sine egne premisser, var det ofte fordi det visuelle språket de brukte reflekterte forventninger til deres kropper og utforming, små, delikate gester, dempede farger eller repeterende former som beroliget øyet. Det var selvfølgelig unntak, men unntakene forsterket tradisjonelle forventninger på vanlig måte at makt forsvarer seg: Anklager du oss for å ekskludere eller marginalisere deg? Vel, dette ensomme eksemplet på det motsatte undergraver anklagen din.

Deretter vurdere rase. Tidsrammen som denne utstillingen omfatter, sporer kunsthistorien fra høyvannsmerket til borgerrettighetsbevegelsen på 1960-tallet til Black Lives Matter-bevegelsen i vår egen tid. Mange av kvinnene som var inkludert her motsto dragkampen med å lage kunst som var eksplisitt politisk eller direkte om den svarte opplevelsen. Abstrakt kunst ble ofte sett på i rasemessige termer, som en eliteform praktisert av hvite kunstnere. Svarte kunstnere ble forventet å meditere på svarte ideer, ved å bruke et visuelt språk hentet fra ideer om de afrikanske røttene til den afroamerikanske eller diaspora-opplevelsen.

[ Nasjonalgalleriet ser på 10 Vermeers i sammenheng med kunstnerens jevnaldrende ]

Mildred Thompson, en av de beste kunstnerne i denne utstillingen, ville ikke ha noe av det. Å kopiere symboler man ikke forstår, å bevisst benytte seg av en form man ikke vet hvordan man analyserer eller setter pris på, var for meg høyden på prostitusjon, sa hun. Og hun var ikke villig til å gi abstraksjon til elitekunstnere: Det var kanskje fordi jeg hadde levd og studert med «hvite» at jeg hadde lært å sette pris på min svarthet.

Det er en kraftig erklæring om uavhengighet, og en som konsekvent utfordres av de inngrodde vanene til kritikere, kuratorer, lærde, samlere og publikum.

Så kunsten som er inkludert føles selvsikker, demonstrativ, rettferdig og lite unnskyldende. Men utover den delte sensibiliteten, er det koblinger mellom disse verkene? Er det stil- eller detaljtilhørighet som knytter et enkelt verk til de 40 andre som vises? Finnes det en takeaway som overgår den enkelte artist?

Dette er farlig territorium. Når du begynner å lete etter disse koblingene, risikerer du å begrense det som kunstnerne har forsøkt å bevare: Individualiteten og sui generis uttrykksfulle innholdet til hvert verk.

er det lovlig å kjøpe kratom på nett

Og likevel ser det ut til å være spor av fellesskap eller slektskap, spesielt i hvordan flere verk uttrykker en følelse av spaltning eller splittelse. Kanskje fanger dette hvordan makt virker på oss, måten den skaper splittelse ikke bare mellom sosiale grupper, men også i vår selvfølelse. Makt forteller oss hva vi bør være, uavhengig av hvem vi egentlig er. Den skiller oss fra vår medfødte verdighet og setter sin egen pris på våre ideer, våre gaver, våre bidrag.

I en stor og dynamisk komposisjon av Shinique Smith, Whirlwind Dancer, er spaltningen fysisk. Maleriet ser først ut til å representere et enkelt, enhetlig objekt, en slags virvel eller virvelvind som har sugd opp materialet og avfallet fra et halvt århundres maleri til et sløyfe, bølgende uttrykk av ren energi. Men dette er faktisk to lerreter sammen, og mens du studerer sømmen innser du at linjer eller former krysser delingen bare noen få steder. Denne metaforen om en energi som er hel til tross for at den er spredt over et gap eller sprekk, er essensen av verkets kraft.

En skulptur av Barbara Chase-Riboud, hvis bronse- og stoffsteler er å se på Michael Rosenfeld Gallery i New York denne høsten, er delt horisontalt, med et stoffskjørt som ser ut til å bære den enorme vekten til en bronseoverkropp. Statuen skaper en dialog som mange mennesker føler internt, mellom en primal frykt for at alt kan rase sammen, og en oppløftende følelse av at vi på en eller annen måte klarer å holde den suspendert i intethetens eter.

[The National Portrait Gallery velger kunstnere til å male Obama-portrettene]

Jennie C. Jones er representert ved arbeid som bruker akustiske paneler for å skape klassiske, minimalistiske abstraksjoner. Men de akustiske panelene bringer med seg antydninger om stillhet, og en dikotomi som ikke er ulik den som Chase-Ribouds verk antyder: Handler disse om stillhet, som er lerretet musikk skrives på og en frigjørende åndelig kraft, eller handlingen til å bli stilnet, hva er den første og grunnleggende maktstrategien?

Disse dikotomiene sprer seg gjennom utstillingen. I ett spesielt betagende verk, et maleri uten tittel fra 1972-73 av Howardena Pindell, er lerretet dekket med små prikker i samme størrelse som de små runde papirlappene som er igjen når du bruker en papirstansepresse. I et annet verk bruker hun selve sirkulære papirrester blandet inn i maling for å lage et merkelig formet selvbiografisk verk som refererer til tiden hun tilbrakte i Japan. Men i akrylmaleriet uten tittel har hun omhyggelig malt deres todimensjonale spor, på et lerret som inneholder et illusjonistisk mønster av bretter, som om det hele hadde blitt stappet inn i et skap eller liggende på gulvet, ubehandlet, inntil ufullkommenheter tok form. Det er et komplekst arbeid som setter tankene i gang med en kjede av spørsmål - hvem laget disse prikkene, hvem stanset papiret og til hvilket formål, og hva ble skrevet på sidene av papiret som ble stanset? — som til syvende og sist peker på ideen om tekst eller dokument som blir holdt tilbake fra oss.

Dette er spørsmålet som makt må konfronteres strengt med: Hva holdes tilbake fra oss? Denne utstillingen er ett, praktisk, pragmatisk svar på spørsmålet. Men selvfølgelig reiser spørsmålet et annet: Hva holder vi tilbake fra oss selv?

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960-tallet til i dag er å se på National Museum of Women in the Arts til og med 21. januar. For mer informasjon besøk www.nmwa.org.