Woolly Mammoths 'Where We Belong' snakker teater- og filmspråkene med like stor eleganse

Madeline Sayet i Where We Belong. (Jon Burklund (Zanni Productions)/Woolly Mammoth Theatre Company)

Madeline Sayet veksler mellom engelsk og Mohegan på en gripende måte i Where We Belong, en soloforestilling der dramatikeren og stjernen sørger over undertrykkelsen av urfolksspråket hennes, og assimileringen som førte til dvalen. Så det er passende at Woolly Mammoth Theatres nye streamingversjon av stykket, produsert i samarbeid med Folger Theatre, snakker språkene til både teater og film med sammenlignbar eleganse.

Som et sceneshow tatt på kamera, streber Where We Belong etter intimitet, og presser seg inn på Sayets uttrykksfulle ansikt mens hun navigerer i en rekke aksenter og personligheter. Men det er også en filmatisk storhet til Mei Ann Teos regi, som selektivt trekker seg tilbake for å dvele ved ekspansiviteten til Woollys tomme rom midt i pandemien og bruker visuelle triks for å sette Sayets skyhøye enesamtaler blant skyene og kosmos.

Det er intensjoner bak den estetisk arresterende oppblomstringen: I Mohegan ble Sayet oppkalt etter en svarttrost som flagrer mellom åndeverdenen og det fysiske riket. Når Sayet husker sine transatlantiske reiser i dette selvbiografiske verket, som hadde premiere i 2019 på Shakespeares Globe Theatre i London, snakker hun om hvordan tiden hennes på himmelen har gitt henne rikelig med muligheter for introspeksjon.

YouTube-videoer bufre, men spilles ikke av

Grandniesen til avdøde Gladys Tantaquidgeon, en berømt Mohegan medisinkvinne og antropolog, Sayet regisserte en gang en produksjon av The Tempest som grunnet på ideen om at urbefolkningen Caliban skulle gjenvinne språket sitt da stykkets sentrale kolonister forlot øya hans. Where We Belong er innrammet rundt Sayets påfølgende 2015-reise til London for å ta en doktorgrad i Shakespeare, og hennes sparring med en nasjon som er motvillig til å innrømme eller rette opp skadene av kolonialismen.

hvordan finner du ut hvor noen jobber

Resultatet er en rivende meditasjon om appropriasjon, kulturelt folkemord og hvordan man best kan hedre sine aner. På vei til slike refleksjoner sykler Sayet gjennom anekdoter med patos og en leken sjarm (selv om mangelen på et personlig publikum undergraver latteren). Historien om en grenseagent i Stockholm som spurte Sayet om hvordan hun ville ha stemt i Brexit-avstemningen, reiser heftige spørsmål om portvakt. Sayets tur til British Museum, og hennes oppdagelse av urfolkslevninger som institusjonen nektet hjemsendelse for, gjøres desto mer irriterende av hennes deilige selvtilfredse skildring av en akademiker hun møtte der. Hennes erindring om en ikke-innfødt person som bekjemper stereotypier fra urfolk går fra knyttnevepumpe til magestøt, mens Sayet spør bredt: Kunne de ha gjort dette hele tiden?

Settet – jordhauger som fremkaller Moder Jord og allsidige fluorescerende lys – er en maksimal prestasjon av minimalistisk design. Jon Burklunds flytende kinematografi holder tritt med Sayets energi, selv om redigeringen hans er unødvendig prangende i støt. Når Erik Schilkes eteriske partitur svulmer, lander Sayets lidenskapelige ord med enda mer vekt.

I forestillingens siste øyeblikk konfronterer Sayet institusjonene som holder seg til kolonialismen med en bønn om empati. Planeten vår er så liten, sier hun. Når får vi vite at vi alle er ansvarlige for hverandre? Midt i en global pandemi, der små innrømmelser til felles beste dessverre har vist seg politiske, er følelsen desto mer slående. Som et språk i stadig utvikling, viser Sayets tekst seg moden for ny tolkning.

Hvor vi hører til , skrevet og fremført av Madeline Sayet. Regissert av Mei Ann Teo. Produksjonsdesign; Hao Bai; kostymer, Asa Benally; musikk og lyd, Erik Schilke; fotoregi og klipping, Jon Burklund. 80 minutter. . Til og med 11. juli kl woollymammoth.net .

Bruce Springsteen tenner lysene på Broadway igjen.

Olney Theatre ser på fremtiden, med gratis Shakespeare – og et nytt fokus på større inkludering

beste måten å rense thc ut av systemet

Tangoen er tilbake. Og det har aldri følt seg viktigere.